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Resumen Tema: Abstracción y Constructivismo

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nichtz5
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Resumen Tema: Abstracción y Constructivismo

Mensajepor nichtz5 » 19 May 2013, 13:25

[align=justify]El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores.

Surge en torno a 1910, pero fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica las que acabaron desembocando en creaciones no figurativas. La abstracción es el resultado de una tendencia a resumir y sintetizar que comienza a finales del S. XIX, con Gaugain, Van Gogh y Cézanne, y que continúa con la simplificación del tema a través del Fauvismo, Cubismo y el Futurismo. Así pues, nos encontramos ante un movimiento que ya se iba perfilando desde el siglo anterior y que busca la renovación absoluta de la pintura.

La abstracción no es un movimiento único, tampoco obedece a un programa estético común. A ella podemos llegar a través de dos vías, ambas nacen de la búsqueda de un orden y de una racionalidad exenta de referencias inmediatas al mundo exterior. La primera se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas que exaltan la fuerza del color y se denomina abstracción lírica. La segunda, llamada abstracción geométrica, se apoya en la estructuración cubista.

Abstracción lírica

Defiende un lenguaje basado en la función expresiva y simbólica de los colores. A través de una serie de manchas de color pretende plasmar el estado anímico del artista o causar una impresión anímica en el espectador.

Kandinsky

Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador. Para él, el arte debía expresar el espíritu, la realidad interior, los estados de ánimo, los sentimientos. En 1910 ejecutó la primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta. Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La fluidez de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo. A partir de este momento comienza a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas. El alejamiento del natural y su tendencia hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que él mismo denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones.

Los años que median entre 1910, cuando Kandinsky crea su Primera acuarela abstracta, y 1914, fueron decisivos para la abstracción. Esta primera obra surgió más bien como una suma de toques de pintura de carácter expresivo en la línea del trabajo anterior del pintor.

La labor teórica estuvo presente en el proceso, por lo que no es de extrañar que en 1911 publicara De lo espiritual en el arte y que en obras como Composición VII o Mancha roja las manchas de color, la línea y los trazos puramente pictóricos y esquemáticos acusen una concepción ordenada de la pintura, pues para Kandinsky expresaban una necesidad interior desvinculada de relaciones exteriores de la realidad.

En la década de los veinte su pintura experimentó un cambio radical al iniciar una abstracción realizada a base de combinaciones de formas geométricas, por lo que Composición VIII es un intento de ordenación de la expresividad anterior que coincide con su trabajo en la Bauhaus y con otra de sus obras teóricas: Punto y línea en el plano.

Delaunay y las formas circulares

La vía inaugurada por Matisse, que exploraba la belleza serena del color, confluyeron en el tipo de pintura abstracta que practicó Robert Delaunay (1885-1941). También se sintió impresionado por el cubismo y por el dinamismo optimista de los futuristas. Todo ello se notó en la evolución de su pintura que llegó, hacia 1912, a una forma de abstracción con colores vivos, muy libremente organizados en torno a una estructura geométrica bastante elemental. En lo que se llamó orfismo se encuadró el resultado de la experimentación con los círculos cromáticos, que al girar alteran la percepción de la forma y el color. El movimiento implica la fusión de los colores que se sintetizan en una superficie blanca, en la ausencia de ellos, estamos ante la síntesis de la abstracción total. El pintor más emblemático del orfismo fue Robert Delaunay con sus obras Formas circulares, el sol y sus Prismas eléctricos. No se trataba de expresar emociones complejas, sino de transmitir la impresión de que la luz se descompone en maravillosas irisaciones cristalinas. Este propósito lo consiguió admirablemente con sus Ventanas.

No es muy diferente el efecto que producen algunos cuadros del pintor suizo Paul Klee (1879-1940). Como muchos de sus colegas, alternó los trabajos figurativos con los abstractos. Entre los últimos está Flora sobre arena, que evidencia el gusto de este artista por las delicadas transparencias y por las armonías de tipo “musical”.

Abstracción Geométrica

Basada en las leyes de la geometría y en las matemáticas, busca la simplificación de las formas hasta su presentación más elemental y genérica. Los dos pioneros de la abstracción geométrica son Mondrian y Malevich.

Piet Mondrian y el Neoplasticismo Holandés

En Holanda surgió un grupo de artistas abstactos de una gran importancia. Su órgano de expresión fue el periódico De Stijl. Allí teorizaron mucho para justificar un arte nuevo, de pretendida validez universal, al cual denominaron neoplasticismo.

Mondrian (1872-1944) alcanzó su punto de vista a través de una rápida evolución, durante la cual recapituló las varias etapas del modernismo, incluyendo el realismo, el impresionismo, el postimpresionismo y el cubismo. Su desarrollo estaba guiado por una mística filosofía calvinista, según la cual el arte le ayudaba a alcanzar la espiritualidad a través del equilibrio de los opuestos en la Cruz. Mantenía que:

a) La realidad plástica del arte se puede expresar sólo a través del equilibrio de movimientos dinámicos de forma y color.
b) Los medios puros proporcionan el camino más efectivo para alcanzarlo (el equilibrio).

En 1911, Mondrian cayó bajo la influencia del cubismo en París y, rápidamente, desarrolló sobre la base de la segmentación cubista un estilo que redujo los planos cubistas a una cuadrícula enteramente rectilínea que cubre toda la superficie, sobre la cual flotaban todavía los suaves colores impuestos por el cubismo. En cuadros como Composición en línea y color, 1913, Mondrian ha respetado las implicaciones de su título y ha desaparecido cualquier referencia a las apariencias naturales. Es muy importante para comprender el estilo de Mondrian que ninguno de los rectángulos en el cuadro es idéntico a otro, que cada uno funciona como un objeto independiente dentro de una conglomeración urbana. La abertura o estrechamiento de los intervalos en la cuadrícula produce una impresión de oleada, flujo, constricción, sensación de distintas velocidades.

En oposición al cubismo, que “no aceptó las consecuencias de sus propios descubrimientos”, Mondrian hacia 1919 había identificado el cuadro con el fondo plano. En su Composición, 1925, un sistema de extensas líneas negras que se cruzan en ángulos rectos divide la superficie en rectángulos rojos, blancos y azules. El efecto es sorprendentemente intenso y lírico. El color está aplicado con gran delicadeza. El rojo y el azul son delicadamente pesados con sumo cuidado, como si se tratara de un sistema de equilibrio. El resultado es, tal como quiso Mondrian, una expresión más dinámica que estática.

Si la imitación es el más sincero de los halagos, Mondrian puede haberse sentido satisfecho por la propagación de sus ideas en todas sus formas en el arte del siglo XX. Menos le habría gustado la popularización de sus nociones, mal comprendidas y caricaturizadas, en anuncios e incluso diseños de ropa.

Malevich, Tatlin y el Constructivismo Ruso

Malevich creó un estilo de formas básicas y de colores puros llamado Suprematismo. Busca reducir la pintura a elementos geométricos, rectángulo, cuadrado, círculo y triángulo, hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico. También practica un uso restrictivo del color, hasta llegar al uso exclusivo del blanco y el negro. La primera manifestación de esta tendencia es Cuadrado negro sobre fondo blanco y su obra más radical es Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Es un cuadrado blanco suspendido en un fondo blanco con una ligera modificación en la textura y en la intensidad del blanco para distinguir las figuras y el fondo. El cuadrado es la forma más elemental, y al suprimir el color, elimina cualquier resto simbolismo cromático.

Paralelamente a Malevich, Vladimir Tatlin, creó en Rusia el constructivismo con sus contrarrelieves. Se dedicó a la elaboración de piezas escultóricas abstractas por medio de la utilización de diferentes tipos de materiales industriales, y es de ahí de donde surge el nombre. La idea de los contrarrelieves es investigar las propiedades de los materiales componiendo formas geométricas totalmente abstractas buscando un arte que no fuera mimético en la naturaleza y que además no necesitasen de materiales costosos. El Constructivismo, que tenía su base en la labor de Tatlin y en su fomento de la tridimensionalidad, como ejemplificaría su ya mencionado proyecto de Monumento a la Tercera Internacional, que demuestra por tanto la ligazón inicial entre revolución política y artística, pese a que el Constructivismo apenas duraría una década.

El verdadero auge del arte abstracto se producirá después de la Segunda Guerra Mundial con el Expresionismo abstracto, el Informalismo europeo, la action painting o el minimal art.

El Monumento conjuga tanto la tendencia a la abstracción como al progreso, siendo evidente cómo el Constructivismo rompió con las técnicas tradicionales de la escultura al articular las piezas y al no existir una jerarquía espacial en la obra, pues en realidad es el espacio el que se hace dependiente.

Pevsner y Gabo fueron los representantes más coherentes de esta tendencia. En el “Manifiesto realista de 1920” presentan una nueva idea del dinamismo en la obra de arte de acorde con la época. Realizan una escultura integrada en el espacio urbano de la ciudad con el fin de integrarlo en la vida. Este concepto de arte proponía unas posibilidades de actuación en el ámbito de la vida. Eliminan la masa y el volumen compacto de la escultura introduciendo en el espacio objetos construidos.[/align]


Fuente: Apuntes de la asignatura, UUDD, http://www.wikipedia.org, http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/22Vanguar.pdf, http://www.arteespana.com/pinturaabstracta.htm

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