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Resumen Tema: Pop Art

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nichtz5
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Resumen Tema: Pop Art

Mensajepor nichtz5 » 19 May 2013, 13:39

[align=justify]Origen

A mediados de los años cincuenta aparece esta tendencia, que se refería al arte popular que estaba creando la cultura de la publicidad de masas. Más tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de “arte culto” o de “élite”. El movimiento surge en Inglaterra entre un grupo de artistas y críticos entre los que destacaba Richard Hamilton.

Temas

El Arte Pop subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Supone la aceptación y la intelectualización por parte del artista de la realidad urbana y de la sociedad capitalista para trasladarla al arte, siendo esto era algo revolucionario. Pero a pesar de esto y de su nombre, no es un arte dirigido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la temática.

Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes y ajeno totalmente a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

Su repertorio temático, extraído del fenómeno de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción, se compone de coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas extraídas del campo de la publicidad o del mundo del cómic, fotografías estampadas en la tela, objetos de consumo como la Coca Cola, mapas de los Estados Unidos, banderas norteamericanas, hamburguesas gigantes, salchichas, batidoras, máquinas de escribir, etc.

Desarrollo en EEUU

Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de los años sesenta. El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del Expresionismo Abstracto. Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.
Muy pronto el Pop Art se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacer frente al entorno urbano americano. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.

El Pop fue un medio para crear obras de arte casi totalmente a partir de elementos preexistentes, donde la contribución del artista estaría más en el hecho de establecer conexiones entre los objetos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos nuevos.

Artistas

Los principales representantes en EEUU: Robert Rauschenberg: ropa de cama, botellas de Coca Cola; Jasper Johns: bandera americana, latas de cerveza, dianas; Roy Liechstenstein: comics sentimentales y de violencia; Andy Warhol: (serigrafías) latas de alimentos, personajes famosos (Marylin Monroe, Mao) accidentes de autos, dólares, autorretratos; Christo: esculturas envueltas en plástico o materiales biodegradables, envoltura de monumentos o edificios.

Robert Rauschenberg (1925-2008): se consagra internacionalmente en 1964 en la Bienal de Venecia que le otorga el primer premio. Realiza las “combine painting” inspiradas en la “all sound music” de John Cage. No escapa al expresionismo abstracto, pero pronto se inclina por nuevas experiencias como utilizar objetos descontextualizados para producir un cambio de significación. La diferencia con Marcel Duchamp reside en que éste pretende asombrar, de subvertir la tradición, mientras que Rauschenberg trata de crear otros objetos a partir de objetos percibidos de otra manera. Son obras representativas “Coca-cola plan”, “Monograma”, “Jeroglífico” y ya más cercano al pop “Tracer” (1963, óleo y serigrafía).

Jasper Johns (nacido en 1930): se interesa por la ambigüedad de los sistemas de signos que utiliza la sociedad contemporánea (números, banderas, dianas, más adelante, mapas), que para él son elementos exteriores previamente formados, convencionales, despersonalizados, objetivos, y los vacía de contenido a fuerza de repetirlos y agrandarlos en series, lo que se convertirá en una forma habitual del trabajo entre los artistas pop. Famosas son sus series de banderas americanas o de dianas como “Diana con cuatro caras” (1955), “Tres banderas” (1958). Después elige números y letras, pero pronto comienza a introducir objetos físicos como “Casa de locos” (1962) y también a mostrarlos sueltos como esculturas realizadas en bronce (“Linterna I”, “Bombilla inglesa” de 1968). Su obra es neutral, consiste en la creación de un objeto nuevo, de uso común o del imaginario del ciudadano medio americano; resulta atrayente, ingeniosa, nada emotiva, pero encierra a su vez un sentido crítico que hace plantearse una serie de preguntas nada fáciles de responder y que despejan el camino a los siguientes artistas.

Andy Warhol (1930 – 1987), El autor más conocido. Tras graduarse en Arte Comercial se instaló en Nueva York, colaborando con diferentes publicaciones como ilustrador, y publicista, para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En los años 60 se dedicó a la pintura realizando su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de grand formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell En 1963 inauguró en Nueva York “La Factory”, un taller desde el que impulsó diferentes actividades artísticas. A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale Su labor pictórica es intencionadamente superficial, despersonalizada y repetitiva, rechaza la originalidad de la obra de arte, muchas de sus creaciones fueron reproducidas por medios mecánicos como la proyección fotográfica o la serigrafía. Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

Roy Lichtenstein (1923-1997), ya a finales de los cincuenta hacía cuadros de expresionismo abstracto en los que incluía personajes de Disney. A comienzos de los sesenta, conoció a Allan Kaprow y, a través de él, entró en contacto con el grupo de happenings; a partir de entonces hizo sus primeras pinturas pop con personajes de cómic y de envoltorios de chicle. En sus cuadros, como Whaam!, utiliza de manera sistemática la trama tipográfica de la imprenta como base –como estilo- y las tiras de cómic como motivo iconográfico; Lichtenstein dice “los acepto como cosas que están ahí, en el mundo... Los signos y las tiras de cómic son interesantes como tema. Hay algunas en el arte comercial que son útiles, están llenas de fuerza y vitalidad”. Su interés por el cómic le viene del contrate entre la fuerza emocional de los temas que tratan –el amor, el odio, la guerra...- y la técnica distanciada, fría, estándar e impersonal que utilizan. Igual le sucede a él en sus pinturas, presenta temas emotivos de un modo frío y formalista, simplificando al máximo el color y la forma, dando igual importancia a las cualidades abstractas y decorativas de la pintura, sin que, aparentemente, se pueda detectar la personalidad del artista. La perfecta realización, la pulcritud de los dibujos, la limpieza de los colores, las tramas exactas, los textos explicativos o las palabras onomatopéyicas son de una neutralidad tan gélida que por exagerada nos emociona, y en estos momentos, vistas con la distancia del tiempo, se tornan emotivas e íntimas. Fue un pintor en el sentido más tradicional de la palabra, lejos de trabajar como una máquina como muchos críticos le reprocharon. A él le gustaba hacer sus propias pinturas y además quería que fuesen obras de arte. La técnica que utilizaba era partiendo de un dibujo dado, de un cómic, hacía un boceto con las formas básicas y los colores, lo trasladaba con un proyector sobre un lienzo de gran tamaño y, utilizando las tintas de la imprenta –la cuatricromía de amarillo, rojo, azul y negro sobre blanco- hace primero los puntos, después las zonas de color y, por último, los contornos, con un ayudan te, como hacían los clásicos.[/align]


Fuente: Apuntes de la asignatura, UUDD, http://www.wikipedia.org, http://clio.rediris.es

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